ANDROMEDA - Graphic Novel

Fresco fresco di stampa...

Il progetto Andromeda nasce dalla pluriennale collaborazione tra gli autori Simone Messeri e Diego Bortolozzo.
Prendendo spunto da un racconto di Bortolozzo, che troverete in questo volume, Messeri ha dato vita alla sua immaginazione, realizzando delle meravigliose tavole in china.
Andromeda vi accompagnerà in un lontano universo, dove regnano guerra e distruzione, dove speranza e fede nella razza umana si scontrano con la potenza della maestosa nave stellare.

ANDROMEDA - Graphic Novel
Racconto: Diego Bortolozzo
Tavole in china: Simone Messeri

Sogno Edizioni

Realizzazione grafica: Rofos Design

http://www.sognoedizioni.it/mani-di-china_3318198.html

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Effetto Droste

L'effetto Droste è un termine olandese per un particolare tipo di pittura ricorsiva.

Un'immagine in cui è presente l'effetto Droste possiede una piccola immagine di se stessa, localizzata dove dovrebbe trovarsi se si trattasse di un'immagine reale. Questa piccola immagine inoltre contiene a sua volta una versione ancora più ridotta di sé stessa, e così via. Tecnicamente non c'è limite al numero di iterazioni, ma in pratica si continua fino a quando la risoluzione permette di distinguere un cambiamento.

Il termine Droste fu coniato dal poeta e giornalista Nico Scheepmaker, alla fine degli anni settanta. Esso prende il nome da Droste, una marca olandese di cacao, sulla cui scatola era presente l'immagine di un'infermiera che teneva in mano un vassoio con una tazza e una scatola della stessa marca.

Un esempio di effetto Droste può essere creato facilmente posizionando l'uno davanti all'altro due specchi. Un altro metodo consiste nel riprendere uno schermo televisivo che mostra ciò che viene ripreso.

Un esempio celebre è la copertina dell'album Ummagumma dei Pink Floyd, in cui la fotografia del gruppo si ripete, con alcune modifiche, nella cornice di un quadro che fa parte della fotografia stessa.

Un altro effetto Droste è quello che compare sulla copertina di una versione del gioco per PC tratto dal quiz televisivo L'eredità, in cui compare Amadeus che tiene in mano e indica la custodia del gioco, con la stessa copertina.

Un esempio molto antico è dato dall'Idolo di Pomos della preistoria cipriota.

Infine, un altro esempio celebre è quello del video di Bohemian Rhapsody dei Queen.

http://www.youtube.com/watch?v=fJ9rUzIMcZQ&ob=av2e

Fonte: Wikipedia.org

Parte 6/6 – I colori: i colori Pantone

Nel design bisogna avere una chiave di colore standard, poiché ciò che si vede a video, non corrisponde mai a quanto apparirà in versione stampata.

Negli anni ‘50 è stato istituito il sistema Pantone che classifica i colori e li traduca nel sistema di stampa a quadricromia CMYK (ciano, magenta, giallo e nero) semplicemente grazie a un codice.

Il tipo di carta utilizzata influenzerà la stampa dei colori. E’ per questo motivo che i colori Pantone vengono indicati da un numero (per esempio, PANTONE Rosso 032) seguito da un suffisso che, a sua volta, indica su quale tipo di supporto il PANTONE Color deve essere stampato. Se si desidera stampare un PANTONE Rosso 032 su carta brillante, sarà necessario indicare il colore in questo modo: PANTONE 032 C, dove “C” sta per "coated" (verniciato). Poi si può indicare “U”, che sta per "uncoated" (non verniciato) e “M”, che sta per "matte" (opaco).

Ai 1144 colori standard denominati PMS (pantone matching system) sono stati aggiunti, nel 2007, altri 2000 colori denominati GOE.

In Italia il nome pantone si riferisce ad un particolare tipo di pennarelli professionali, i TRIA dell'azienda inglese Letraset. L'etimologia si riferisce al fatto che sono stati i primi e unici pennarelli in commercio a utilizzare in esclusiva il marchio Pantone e il Pantone Matching System per gestire il proprio catalogo.

La Pantone Inc. è un'azienda statunitense che si occupa principalmente di tecnologie per la grafica, la catalogazione dei colori e della produzione del sistema d’identificazione di colori per la grafica divenuto standard internazionale per quanto riguarda la grafica ma ultimamente viene utilizzato anche per gestire i colori nel mondo dell'industria e della chimica.

Le guide


Per scegliere il colore pantone più adatto alle nostre esigenze e quindi conoscerne il codice, esistono diversi tipi di guide campione che catalogano i colori della Libreria PANTONE. Uno dei più usati è rappresentato da stretti blocchetti campione composti da piccole strisce in cartone tenute insieme ad una delle estremità con impressi dei riquadri rettangolari che mostrano i diversi PANTONE Color. Aprendo le strisce come un ventaglio, si possono vedere e scegliere i colori e i relativi codici.

Vantaggi

I Pantoni possono essere retinati (abbassare l'opacità del colore per simulare il chiaroscuro) per cui riusciamo ad ottenere sfumature e ombreggiature, che arricchiscono il nostro lavoro mantenendo il costo di produzione legato ad un solo colore reale anziché alla quadricromia (ciano, magenta, giallo, nero).

Critiche

La critica più frequente che si muove al sistema pantone è che essendo basata su una mistura di colori sia inefficace per gestire i colori che si estrapolano da una mistura di luci colorate (come l'RGB, usato per i colori video). Un'altra critica si basa sul fatto che molti dei 1144 colori originali non possono essere ottenuti con una mistura di soli magenta, ciano, giallo e nero. Per risolvere questo problema la Pantone ha messo a punto un sistema di stampa chiamato Esacromia che aggiunge l'arancione puro e il verde smeraldo ai 4 colori originari; questo accorgimento, sebbene molto dispendioso da affrontare, risolve il problema solo in parte in quanto per essere sicuri di poter riprodurre fedelmente ogni singolo colore si dovrebbe avere a disposizione una gamma di 13 colori base più il bianco e il nero. Questo perché la mistura di un numero di colori superiore ai 7 genera inevitabilmente un abbassamento di luminosità.

Fonti per tutti e 6 gli articoli sul colore: retecivica.milano.it – wikipedia.it - graphicboulevard.com – pantone-italia.com

Parte 5/6 – I colori: l’effetto dei colori adiacenti

Un colore può sembrare più caldo o più freddo a seconda del contesto in cui è collocato. 


Ad esempio il violetto è un colore intermedio ottenuto dalla combinazione di blu (freddo) e rosso (caldo):

accanto a un colore caldo come il rosso sembra freddo

mentre vicino a un colore freddo come il blu, appare caldo.

Sfruttando la temperatura di un colore si ottengono molti effetti. Sapendo sfruttare al meglio questa caratteristica, si possono realizzare giochi prospettici veramente particolari: i colori caldi hanno la prerogativa di "avanzare", dando l'impressione di venire incontro all’osservatore, quelli freddi sembrano allontanarsi.

Quindi, utilizzando colori freddi per lo sfondo e colori caldi per il primo piano, si può creare in un disegno l’illusione della prospettiva e degli effetti tridimensionali.

Parte 4/6 – I colori: contrasti

Contrasti cromatici

Se il rapporto che si crea tra vari colori tende ad essere di grande differenza si parlerà di contrasto cromatico. I contrasti cromatici si producono tramite l'accostamento di due o più colori diversi tra loro. Prendiamo per esempio il giallo; avremo delle percezioni diverse in base allo sfondo a cui lo sottoponiamo, questo perché tende alla tonalità complementare dello sfondo stesso. Se invece lo sottoponiamo ad uno sfondo che è il complementare del colore stesso, avremo maggiore luminosità per il principio del contrasto luminoso.

Il pittore contemporaneo Johannes Itten (1888-1967) ha individuato, durante i suoi studi sul colore, sette differenti tipi di contrasto:

1. Contrasto tra colori puri: è possibile creare il contrasto di colori puri grazie all'accostamento di qualsiasi colore con il più alto punto di saturazione, ovvero non vi è mescolato il bianco e il nero.
Per creare il contrasto di colori è necessario l'accostamento di almeno tre colori.

2. Contrasto tra colori complementari: i colori complementari sono individuabili sul cerchio cromatico e sono quelli diametralmente opposti l’uno all’altro. Si equilibrano a vicenda e inducono una sensazione di energia. Il contrasto tra colori complementari si ottiene tramite l'accostamento di un colore primario e del colore risultante dall'unione degli altri due primari rimasti, tali contrasti sono: giallo-viola, rosso-verde, blu-arancione.

3. Contrasto di caldo e freddo: si realizza quando si accostano almeno un colore caldo (giallo, arancio, rosso, fuxia, marrone) ed un colore freddo (blu, verde, viola). In questo caso però l’importanza dell’ambiente è fondamentale. Ci sono infatti colori ambigui come il prugna che a seconda che siano circondati da colori caldi o freddi, cambiano anch’essi.

4. Contrasto di chiaro-scuro: si ha quando si accostano colori con differenti gradi di luminosità. L’apice del contrasto è l’accostamento del bianco e del nero.

5. Contrasto di qualità: si ottiene accostando colori con differenti gradi di saturazione e offuscamento. Mescolando un colore molto saturo con differenti quantità di grigio si otterrà una graduale perdita di qualità del colore.

6. Contrasto di quantità: ogni tinta presenta un diverso grado di luminosità, quindi, se vogliamo creare un equilibrio percettivo è necessario stendere in modo molto proporzionale le varie zone di colore, ad esempio un colore molto luminoso dovrà occupare un'area minore rispetto a un colore con un minore grado di luminosità. Per esempio, un’area colorata di blu e giallo dovrà essere ricoperta per 2/3 dal blu ed 1/3 dal giallo per ottenere la giusta armonia visiva.

7. Contrasto di simultaneità: è un processo che avviene esclusivamente nel nostro cervello. Si verifica quando osservando un colore, la nostra mente ricrea il complementare anche se questo non è fisicamente presente nell’immagine. Il nostro occhio, sottoposto a un dato colore, ne esige simultaneamente il complementare, e non ricevendolo se lo rappresenta da sé. Il fenomeno prova che per l'armonia cromatica è essenziale il rispetto della legge dei complementari. Il colore prodotto simultaneamente esiste solo nella percezione cromatica di chi guarda e non nella realtà esterna, come dimostra il fatto che non può venire fotografato.

Parte 3/6 – I colori: colori caldi e freddi

I colori si suddividono anche in caldi, freddi e neutri in base alle diverse sensazioni che trasmettono, alle immagini e alle situazioni che richiamano alla mente.

- i colori caldi tendono all'arancio e al rosso,

- i colori freddi tendono al viola e al blu,

- i colori neutri tendono al nero, al bianco e al grigio.

I colori si influenzano tra di loro e può succedere che la predominanza di colori freddi faccia passare in secondo piano la presenza di colori caldi e viceversa.


Tra la metà calda e la metà fredda del cerchio cromatico si distinguono ulteriori colori "caldi" e "freddi".

Nel triangolo al centro ci sono i tre colori primari; su ogni lato del triangolo sono disegnati i tre secondari in corrispondenza dei due primari; tra i primari e i secondari si trovano i terziari.

Prendiamo per esempio i rossi: in questo cerchio cromatico a 12 spicchi esistono due tipi di rosso, uno caldo e uno freddo.

Il primo è il rosso cadmio che tende al "caldo" arancio. Il cremisi, invece, è freddo in quanto tende al vicino "freddo" violetto.

Le stesse considerazioni valgono per i gialli. Il giallo di cadmio chiaro è un colore caldo perché tende al "caldo" arancio. Invece il giallo limone è freddo e infatti è collocato vicino al "freddo" verde.

Anche i colori secondari si dividono in caldi e freddi. Il verde è freddo perché formato dalla combinazione di un giallo freddo e di un blu freddo.

Parte 2/6 – I colori: la suddivisione dei colori

I colori si suddividono in primari, secondari e terziari.

- Colori primari: rosso, blu, giallo, non possono essere ottenuti mescolando altri colori.

- Colori secondari: arancio, verde, viola si ottengono mescolando due colori primari in parti uguali.


- Colori terziari: si ottengono mescolando due colori primari in quantità diverse.

All’interno dei colori primari e secondari, abbiamo tre coppie di colori detti complementari.

Ogni coppia di complementari è formata da un primario e dal secondario ottenuto dalla mescolanza degli altri due primari. Per sapere qual è il complementare del colore primario, mischiate gli altri due primari:

- il rosso e il blu formano il viola che è il complementare del giallo

- il giallo e il blu formano il verde che è il complementare del rosso

- il rosso e il giallo formano l’arancione che è il complementare del blu

I colori complementari sono coppie di colori del tutto singolari, che nel disco cromatico hanno posizioni di massima contrapposizione.

Parte 1/6 – I colori: percezione del colore

In biofisica il colore è la percezione visiva generata dai segnali nervosi che i fotorecettori della retina inviano al cervello quando assorbono radiazioni elettromagnetiche di determinate lunghezze d'onda e intensità nel cosiddetto spettro visibile o luce.

Origine fisica: La luce visibile è complessivamente bianca in quanto somma di tutte le frequenze dello spettro visibile. A ciascuna frequenza del visibile è associato un determinato colore. In particolare la diversità di colore o semplicemente il colore dei corpi, percepito poi dall'occhio umano, deriva dal fatto che un certo corpo assorbe tutte le frequenze o lunghezze d'onda dello spettro visibile, ma riemette o riflette una o più componenti o frequenze della luce bianca che, mischiate tra loro, danno vita al colore percepito dall'occhio umano. In particolare nei due casi estremi un corpo appare bianco quando assorbe tutte le frequenze riemettendole a sua volta tutte, viceversa un corpo appare nero quando assorbe tutte le frequenze e non ne riemette alcuna; in tutti gli altri casi intermedi si avrà la percezione tipica di un altro colore.

Percezione del colore

La formazione della percezione del colore da parte dell'occhio avviene in tre distinte fasi:

Nella prima fase un gruppo di fotoni (stimolo visivo) arriva all’occhio, attraversa cornea, umore acqueo, pupilla, cristallino, umore vitreo e raggiunge i fotorecettori della retina (bastoncelli e coni), dai quali viene assorbito. Come risultato dell’assorbimento, i fotorecettori generano (in un processo detto trasduzione) tre segnali nervosi, che sono segnali elettrici in modulazione di ampiezza.

La seconda fase avviene ancora a livello retinico e consiste nell’elaborazione e compressione dei tre segnali nervosi, e termina con la creazione dei segnali opponenti, segnali elettrici in modulazione di frequenza, e la loro trasmissione al cervello lungo il nervo ottico.

La terza fase consiste nell’interpretazione dei segnali opponenti da parte del cervello e nella percezione del colore.

E sempre tre sono i fattori che influenzano la percezione del colore: i colori dell’ambiente (ossia i colori che circondano l’oggetto); il colore locale (che è il colore proprio dell’oggetto); il colore tonale (cioè gli effetti di luce ed ombra sull’oggetto).

Influenzano la percezione del colore anche elementi quali il tipo d’illuminazione dell’ambiente, la grandezza della superficie, il materiale di supporto.

Gli oggetti e gli ambienti che ci circondano sono in gran parte colorati. Ciò dipende dal fatto che la luce si diffonde attraverso onde di diversa lunghezza: ad ogni onda corrisponde un colore. La differenza tra 'colore' e 'non colore' è spesso soggettiva. Per questo è importante conoscere la “teoria dei colori”.

Il nostro occhio percepisce solo una piccola parte delle onde luminose esistenti in natura; a questa corrisponde uno spettro di sette colori: il rosso, l’arancio, il giallo, il verde, l’azzurro, l’ìndaco e il violetto.

Il fisico inglese Isaac Newton dimostrò, nel 1672, che la luce, che vediamo bianca, è in realtà composta dai sette colori dello spettro solare. Nel suo esperimento Newton fece passare un raggio di luce attraverso un prisma di cristallo. Il raggio si scompose nei sette colori dello spettro solare, dimostrando che il bianco è la somma di quei colori.

L’oggetto che riflette tutte le onde luminose appare bianco; l’oggetto che assorbe tutte le onde, senza restituirle ai nostri occhi, viene visto dai nostri occhi nero; l’oggetto che assorbe tutte le onde tranne uno, ha il colore corrispondente a quell’unica onda ( ad esempio: un oggetto che non assorbe il verde, viene visto dai nostri occhi verde). Per questa ragione alcuni artisti definiscono il bianco e il nero “non colori” perché il bianco è dato dalla somma di tutti i colori, il nero dall’assenza di colori.

parte 5/5 - Il carattere o font: famiglie di caratteri

I caratteri sono divisi per famiglie, in base alle loro caratteristiche:

Gotico

I primi caratteri tipografici utilizzati con l'invenzione della pressa da stampa somigliano alla calligrafia maiuscola dell'epoca. Vengono anche chiamati script gotici. A questa famiglia appartengono: i Textualis (Old English), i caratteri Schwabacher, la famiglia Fraktur.

Con grazie

I caratteri con grazie, qualche volta chiamati romani, comprendono dei sottogruppi:

• Lapidario
• Veneziano
• Rinascimentale, con solo piccole differenze in spessore all'interno del glifo
• Barocco, nei quali lo spessore all'interno del glifo ha maggiore variazione
• Moderno, con la massima variazione di spessore all'interno del glifo. L'introduzione delle tecniche di fusione perfezionate alla metà del XVIII secolo permise tratti più fini e influenzò grandemente questi caratteri
• Contemporaneo, usato per scopi decorativi.

Senza grazie

Il fenomeno tipografico dei sans-serif è relativamente recente nella storia della tipografia (1816). Per la classificazione i sans-serif si dividono grossolanamente in quattro gruppi principali:

• Grotesques
• Neo-grotesques
• Humanist
• Geometrici
• Transport D, ideato negli anni cinquanta ed usato in molti paesi europei come carattere tipografico per i segnali stradali, sia neretto che condensato, sia normale che stretto.

Informali

I tipi di carattere informali (o script) simulano la calligrafia. Non si prestano molto bene a grandi quantità di corpo di testo, poiché l'occhio umano li trova più difficili da leggere.

Tipi di carattere originali

Hanno generalmente forme di caratteri molto particolari e possono addirittura comprendere immagini di oggetti, animali o altro. Hanno caratteristiche molto specifiche, quindi uso molto limitato. Non sono adatti per il corpo del testo.

Simboli

Consistono di simboli e non di caratteri per il testo.

Fonte: wikipedia.com

parte 4/5 - Il carattere o font: con e senza grazie

Si possono suddividere i tipi di carattere in due categorie principali: con o senza grazie (note anche con l'inglese serif). I caratteri graziati hanno delle particolari terminazioni alla fine dei tratti delle lettere. L'uso delle grazie deriva dai caratteri lapidari romani, dove era molto difficile scalpellare nel marmo angoli di novanta gradi necessari a terminare le aste.

L'industria tipografica si riferisce ai tipi di carattere senza grazie come bastoni, lineari, sans-serif (dal francese sans, "senza").

Esiste una grande varietà sia fra i tipi di carattere graziati che fra i bastoni; entrambi i gruppi contengono tipi progettati per testi lunghi e altri intesi per scopi principalmente decorativi.

La presenza o l'assenza di grazie è solo uno dei molti fattori nella scelta di un tipo di font.

I caratteri con grazie sono generalmente considerati più facili da leggere in lunghi passaggi che quelli senza. Gli studi al riguardo sono ambigui e suggeriscono che la maggior parte dell'effetto sia dovuta solo ad una maggiore familiarità. Libri e giornali usano quasi sempre caratteri graziati, almeno per il corpo del testo. Sul web, invece, è meglio utilizzare un carattere non graziato moderno, poichè, sullo schermo del computer, i caratteri senza grazie hanno migliore leggibilità a causa della loro minore risoluzione.

Font con grazie

Font senza grazie

parte 3/5 - Il carattere o font: dimensioni

La distanza fra la linea base e la cima di un normale carattere minuscolo è chiamata occhio medio. La parte di glifo al di sopra è l'ascendente. L'altezza dell'ascendente può avere un effetto sostanziale sulla leggibilità e l'aspetto di un carattere. Il rapporto fra l'occhio medio e l'ascesa è spesso utilizzata per classificare i caratteri tipografici.

Minuscole: l'altezza delle minuscole è misurata sulla lettera x. Infatti le lettere tonde tendono ad avere dimensioni più grandi delle lettere lineari, per applicare una correzione ottica senza la quale apparirebbero al lettore più piccole delle altre.

Maiuscole: è l'altezza misurata sulle lettere maiuscole, solitamente sulla E, sempre per problemi legati alla correzione ottica.

Ascendenti: l'altezza delle lettere minuscole quali l e f ad esempio, è più grande di quella delle altre lettere minuscole, e, di norma, anche delle lettere maiuscole.

Allineamento: è la somma della distanza tra la linea dell'ascendente e la linea di delimitazione del corpo superiore e la linea del discendente e la linea di delimitazione del corpo inferiore. In pratica è la distanza verticale minima dei caratteri.

Apertura: L'andamento delle aste curve aperte di caratteri come la C, c, S, s, a, e e così via, è definito apertura.

Crenatura: indica la riduzione dello spazio in eccesso tra le due lettere, allo scopo di eliminare spazi bianchi antiestetici e dare un aspetto più omogeneo al testo. Un esempio dove spesso si attua la crenatura è quello di avvicinare le due lettere a bracci obliqui A e V. Può comunque avvenire tra lettere curve come O e C.

Peso: è il rapporto tra area inchiostrata ed area in bianco della serie di caratteri, o meglio lo spessore dei tratti che lo compongono indipendentemente dalla sua dimensione.

parte 2/5 - Il carattere o font: caratteri mobili

L'uso dei caratteri mobili avviene sostanzialmente secondo l'antico sistema inventato da Gutenberg. Si tratta di riprodurre il testo con dei blocchetti in lega di piombo su ognuno dei quali è inciso in rilievo un segno tipografico.

Questi blocchetti, dovendo formare il testo all'interno di una pagina, devono possedere una forma regolare e ben precisa. Si stabilisce quindi di prendere un'unità di misura e di fare in modo che ogni variazione avvenga secondo multipli o sottomultipli di tale misura (spazi tra le lettere, altezza o larghezza delle lettere e così via). Tale unità di misura è chiamata punto tipografico. Tale unità corrisponde a poco meno di 0,376 mm.

La grandezza di un carattere è misurata in punti e viene chiamata corpo, ma dato che ogni carattere avrà, un'altezza diversa dagli altri, ci si riferisce all'altezza del blocchetto di piombo che lo imprime sulla carta.

PARTE 3/3 - L’importanza della copertina in un libro: come realizzare una copertina di successo

Scelta del carattere

Occorre prestare attenzione anche alla scelta del carattere (font), bisogna mandare un messaggio chiaro e diretto e non creare confusione. Il titolo si deve sposare bene con l’immagine ma deve essere ben evidente.

Il carattere del titolo e sottotitolo deve essere lo stesso, per evitare di avere troppi elementi visivi diversi che creano confusione. Studi statistici hanno evidenziato che se il sottotitolo supera le due righe, è meglio utilizzare caratteri con grazie, perché i prolungamenti delle lettere aumentano del 15% circa la faciltà di lettura.

[Fra qualche giorno parleremo più dettagliatamente delle font, dedicando loro un articolo.]

 

La quarta di copertina

In libreria, la prima cosa che ti colpisce di un libro è la copertina. Una volta preso in mano, è istintivo girarlo per valutare la quarta di copertina. È fondamentale quindi che il retro del libro mantenga lo stile grafico della copertina, spiegando chi è l’autore, una sinossi breve che incuriosisce il lettore e il costo.

PARTE 2/3 - L’importanza della copertina in un libro: come realizzare una copertina di successo

Target

La prima cosa da fare è capire a quale categoria di lettori è rivolto il libro, al fine di poter studiare una copertina mirata al target giusto.

Ecco alcuni esempi:

- Nei libri che trattano di benessere, i colori sono brillanti, con sfondo chiaro, in prevalenza bianco e con un’immagine sognante e rilassante.

- Nei libri che trattano di cucina, i colori sono ammiccanti, come il rosso, il giallo e il verde, l’immagine in genere è molto golosa.

- Nei libri che trattano di romanzi d’amore, le immagini sono conturbanti, spesso sfocate e con il carattere graziato o corsivo, molto elegante e femminile.

- Nei libri che trattano di affari o saggi, hanno una linea molto pulita, chiara, elegante e con caratteri in grassetto, spesso addirittura con l’assenza di immagini e simboli.

- Nei libri che trattano di fantasy o fantascienza, ci si può sbizzarrire sia con le immagini sia con le font.

- Nei libri che trattano di gialli o polizieschi, si può giocare col bicromismo giallo/nero bianco/rosso, bianco/nero; colori e immagini che devono evocare suspance.

Parte 1/3 - L’importanza della copertina in un libro: come realizzare una copertina di successo

La copertina è la parte esterna di un libro, in genere formata da un cartoncino spesso.

In gergo tipografico, le 4 pagine della copertina prendono i nomi di prima (la copertina vera e propria), seconda, terza (in cui non vi è stampato nulla) e quarta di copertina (il retro del libro).

La copertina ha lo scopo di attirare l’attenzione del potenziale lettore e di indirizzarlo all’acquisto. La copertina può essere variamente colorata o decorata con illustrazioni o fotografie per rendere più accattivante, gradevole o appariscente il tipo di stampato. Il suo impatto inoltre dipende anche dal tipo di rilegatura utilizzata.

Nei volumi cartonati, il titolo della pubblicazione viene stampato tramite incisione in oro direttamente sul supporto rigido, privo di stampa, e quindi rivestire la copertina vera e propria con una sovracoperta stampata su carta più leggera.

In certi casi la copertina può anche essere formata o rivestita di cuoio, legno o metalli, anche preziosi. Sono particolarmente pregiate le copertine dei volumi antichi.

Editoria: le copertine, i nostri biglietti da visita

Dite la verità: cos'è che attira la vostra attenzione in libreria e vi convince a sfogliare un libro?

La copertina. Il vero biglietto da visita di ogni pubblicazione!

Poi vi mettete a leggere la 4a di copertina, per conoscere l'argomento trattato e infine sfogliate le pagine del volume che avete tra le mani.

Anche con gli e-book, siamo sinceri, procediamo tutti allo stesso modo.

Veniamo attratti dalla copertina, cerchiamo informazioni sull'argomento trattato, poi decidiamo, eventualmente, l'acquisto.

Qui subentra la capacità del vostro illustratore e/o dell'agenzia a cui avete affidato la realizzazione del vostro biglietto da visita.

Qui subentra la capacità di realizzazione di Rofos Design.

Metteteci alla prova, non rischiate di trovarvi di fronte a scelte sbagliate.

Date un'occhiata a questo blog (a dir poco interessante!) che mette a confronto le copertine di alcuni libri, dimostrando che non basta scegliere una bella illustrazione o una foto accattivante, dovete affidarvi a dei professionisti grafici, dovete affidarvi a Rofos Design.

http://copertinedilibri.wordpress.com/page/2/

Siamo stanchi di assistere a questa mancanza di professionalità. E voi?

Nei prossimi giorni posteremo un articolo sull'importanza della copertina in un libro e la sua realizzazione.

Pubblicità vintage anni 50 e 60

Dal sito http://wellmedicated.com/inspiration/50-inspiring-vintage-advertisements/ una bellissima gallery di immagini pubblicitarie degli anni 50 e 60.
Negli anni 50 la pubblicità ebbe una grande espansione, specie negli USA. Negli anni 60 ci fu il boom e la pubblicità sposò anche l'arte, come nel caso del famoso quadro dei barattoli di zuppa Campbell di Andy Warhol.
Nella gallery è presente anche una pubblicità italiana molto famosa, quella della Vespa Piaggio.

PIXAR a Milano!

In anteprima una notizia che farà gioire gli amanti della grafica (e non solo!):
MGM Digital, con il supporto del Comune di Milano e la collaborazione di 24Ore Cultura, a cura di Maria Grazia Mattei, porterà a Milano la mostra che celebrerà i 25 anni di STORIE PIXAR e che sarà accompagnata da un ricco programma di eventi e workshop.

John Lasseter, Steve Jobs e Ed Catmull fondano la Pixar nel 1986. Toy Story esce nel 1995 e rappresenta una pietra miliare della storia del cinema, è il primo film di animazione interamente prodotto al computer e riscuote subito un grande successo. Successo puntualmente ribadito con Monster Inc., Finding Nemo, The Incredibles, Cars, Ratatouille ,WALL*E . Animatore, regista, sceneggiatore e produttore, John Lasseter è l’anima della Pixar e quando la nota casa di produzione entra nella sfera Disney, gli viene affidato l’incarico di direttore creativo di entrambi gli Studios. Premio Oscar nel 1989 e nel 1995, Leone d’oro alla carriera nel 2009, Lasseter è universalmente riconosciuto come una delle figure più influenti del cinema mondiale. “Pixar 25 anni di animazione” nasce con l’obiettivo di celebrare un incredibile storia di successi svelandone l’incredibile e corale processo di produzione che fonde sapientemente creatività artistica e tecnologia per raccontare storie che sanno commuovere e far sorridere tutto il mondo. Un’incredibile ricchezza di disegni, dipinti, pastelli e sculture affianca spettacolari installazioni 3D, proiezioni e materiali interattivi svelando la multidisciplinarietà dei talenti che animano la Pixar. Dai primi disegni tracciati a mano all’utilizzo delle tecnologie digitali: una perfetta sintesi di tradizione e innovazione. Dopo aver esordito al Moma di New York, la mostra approda a Milano in anteprima europea e su esplicita volontà di John Lasseter, che in via del tutto eccezionale ha già garantito la sua presenza in occasione dell’inaugurazione prevista per il 22 ottobre, dando anche la sua disponibilità per una “lectio magistralis” . Milano è a tutti gli effetti l’anteprima europea della mostra e costituirà anche l’occasione per presentare una preview mondiale di Brave, il prossimo film della Pixar la cui uscita è prevista nel giugno del 2012.

A breve seguiranno maggiori informazioni; continuate a seguirci su queste pagine!

[fonte: MGM Digital blog]

Le copertine del rock e la grafica

Riportiamo dal blog http://indiemusic.blogosfere.it/2011/05/pink-floyd-e-the-dark-side-of-the-moon-la-copertina-piu-bella.html la classifica che il sito inglese Musicradar ha chiesto agli appassionati di stilare sulle copertine più belle di tutti i tempi.

Ecco le prime 10 poisizioni.
Da un punto di vista puramente grafico è pregevole la semplicità della cover di The Dark Side of the Moon, dove l'immagine del prisma colorato riempie uno spazio totalmente nero. Da segnalare anche la cover totalmente bianca, con semplicente il nome "The Beatles" stampato in rilievo.
La foto più bella è senz'altro quella di London Calling, che racchiude in un certo senso l'anima stessa del rock in genere: il bassista Paul Simonon spacca il basso durante un concerto. La foto, in bianco e nero, regala l'emozione e la potenza della musica rock.